ГлавнаяКультура

6 нетривиальных альбомов мая: от Pumarosa до Sasha Boole

Все три месяца весны были щедры на отличные релизы от зарубежных и украинских исполнителей, камбэки легендарных групп. Но май, определенно, оказался наиболее урожайным. Для нашей подборки альбомов прошлого месяца мы не ходили вокруг мейнстримовых пластинок, а заплыли на глубину к менее популярным, но не менее интересным проектам.

Артем Рисухин Артем Рисухин , Музыкальный обозреватель

Chris Stapleton – From A Room vol.1

В 2015 Крис Стэплтон вихрем ворвался на радиостанции. Его дебютный альбом Traveller буквально встряхнул кантри-музыку, при этом будучи, по сути, классическим ее образцом. Награды и статуэтки посыпались на Стэплтона. Впервые за много лет он пошатнул гегемонию кантри-пары Миранды Ламберт и Блейка Шелтона в рамках ежегодных премий. Traveller запустил популярность музыканта в стратосферу, стал дважды платиновым, а дуэт Стэплтона и Джастина Тимберлейка попал на первую строчку хит-парада Billboard.

Спустя два года Крис вернулся с новой работой From A Room vol 1. Скромно, без лишнего пафоса, хотя на волне успеха и обожания Стэплтон мог придумать релизу громкое название и заполнить хронометраж дуэтами со звездами. Но вместо лишнего пиара слушатель получил пластинку из 9 треков, которые, в итоге, не просто закрепили успех дебютника, но раскрыли Криса в более камерной обстановке. Глубокий, сильный вокал, который был одним из основных инструментов Стэплтона на Traveller, становится уже главным на From A Room, когда минимализм аранжировок обнажает эмоциональный диапазон певца.

Жанрово на новом альбоме нет ничего нового, он четко продолжает тематичность своего предшественника с южным роком и кантри. Тем не менее, такие треки, как “I Was Wrong” и “Last Thing I Needed, First Thing This Morning” помогают Стэплтону расширить стилистические границы в соул и блюз. Акустическая баллада “Either Way” – одна из самых проникновенных песен альбома. Образец таланта Стэплтона, который ничуть не растрепался от ветров успеха за последние два года. From A Room vol 1 найдет свое продолжение чуть позже в этом году в виде второй части.

Pumarosa – The Witch

Создание концептуального альбома всегда было одним из самых сложных и рискованных процессов для музыкальных групп и исполнителей. В отличие от более классического подхода – выбора подходящих треков из всего записанного за период материала. Создание же композиций с идеей и цельной формой требует многогранного таланта и визионерства.

Британцам Pumarosa повезло и с первым, и со вторым. Во главе проекта – певица, танцовщица и дизайнер театральных декораций Исабель Мунез-Ньюсом. С ее подачи, музыка и визуальный посыл группы становятся единым арт-объектом. Пусть и не радикально авангардным, но именно так, с позиции искусства, стоит воспринимать дебютный альбом Pumarosa – The Witch.

Живой, пульсирующий, пытающийся донести определенный спектр мыслей. Благодаря Исабель искусство выходит за рамки альбома. Оно – в живых выступлениях группы, где в гипнотическом рейве рождаются захватывающие образы. В клипах, которые, как “Honey”, несут социально-политический окрас. В обложке, которую нарисовала сама Исабель. И конечно, в текстах, в которых певица исследует сексуальность, тенденции общества, ставит женщину в центр вселенной Pumarosa.


The Witch – абсолютно танцевальный альбом. Он пробирает и раскачивает, выстраивая концепт именно посредством ритма. Пускай и зачастую – монотонного, затянутого (мантровая “Priestess”, к примеру, длится 7 минут). Однако именно в такой форме музыка Pumarosa и звучит максимально доступно. Пластинка великолепно скроена из электроники с пост-панковыми мотивами, сочных гитарных риффов, неожиданных саксофонных партий и харизматичного вокала. С диапазоном влияний от Кейт Буш и Radiohead до электро-рока конца 00-х, The Witch – однозначно один из самых интересных, свежих альбомов первого полугодия 2017.

The Afghan Whigs – In Spades

О важности культовых Afghan Whigs для альтернативного рока 90-х и 00-х написано немало. Еще больше написано об их недооцененности. И новые поколения, которые будут открывать эту группу, будут недоумевать, почему коллектив, который создал шедевральный альбом Gentlemen не смог выйти в мейнстрим (несмотря на контракт с мейджором и выход на MTV). Слушателям будет невдомек, как сквозь толщу однообразного гранжевого фузза не смогла пробиться взрывная смесь из хард-рока, ритм-н-блюза, поста-панка и надрывного вокала Грега Дулли. Меж тем, влияние, которое в итоге Afghan Whigs оказали на будущие поколения музыкантов, огромно.

Тем сильнее было разочарование, когда в 2014 году, спустя 13-летний перерыв группа вернулась с совершенно посредственным альбомом Do to the Beast. И тем долгожданнее был выход новой пластинки In Spades в мае этого года. Именно она в итоге стала настоящим возвращением Afghan Whigs в свет.

По словам Грега Дулли, основная идея In Spades вращается вокруг памяти и свойств воспоминаний ослабевать и затуманиваться в течение жизни. Мрачный, мощный альбом, который, как и все работы Дулли (будь то Afghan Whigs или Twilight Singers) пронизан рефлексией, исследованием граней личности, боли. В нем жанрово возвращаются Husker Du середины 80-х, внезапно находит отражение инди-рок конца 00-х, фортепианные баллады перемешиваются с хард-роком. Но главное, мы наконец слышим классических Afghan Whigs, совершивших перерождение.

Параноидальная эротомания ютится в текстах между бесподобных гитарных риффов трека “Arabian Horse”. “Into The Floor” – это песня, родившаяся в результате джема из любимой фанатами “Miles Iz Dead”. Пропитанная джазовой эстетикой “Birdland” с отсылкой к легендарной вотчине Чарли Паркера. Пронизывающая “I Got Lost” была написана в период, когда стало известно о неоперабельном раке кишечника у гитариста группы Дэйва Россера. Как и десятилетия назад, Afghan Whigs удается собрать образы, истории и искренние эмоции в потрясающий путеводитель из накрепко заседающих в голове песен. Как и десятилетия назад, альбом In Spades не принесет группе мейнстримовую публику, но он определенно повлияет на всех, кто прикоснется к этому релизу. А большего, пожалуй, и не нужно.

Zola Blood – Infinite Games

Лондонский электро-поп квартет Zola Blood – яркий пример того, как без жадной руки крупного лейбла создавать качественный музыкальный продукт и умело работать с аудиторией. Средства на запись своего дебютного мини-альбома Meridian в 2014 году группа собрала с помощью краудфандинговой платформы. И всем фанатам, которые пожертвовали деньги, это вернулось сторицей не только в виде футболок и сопутствующей атрибутики Zola Blood, но прежде всего – замечательным релизом.

В конце мая этого года Zola Blood выпустили свой первый полноформатный альбом Infinite Games, вновь обратившись за помощью к фанатам. Название для пластинки взято из книги Джеймса Карса "Конечные и бесконечные игры". Карс утверждает, что все жизненные процессы – игра. В конечных играх целью стоит победа, в бесконечных – продолжение игры. Именно эта идея о бесконечных возможностях в игре и множестве вариантов для выбора проходит лейтмотивом сквозь весь альбом Infinite Games.

В течение десяти треков группе удается создать цельную, захватывающую атмосферу. Синты и нежный вокал Мэтта Уэста окунаются в плотное электронное звучание, а биты усиливают гипнотичность треков. Начиная с заглавного “Infinite Games” с его медными духовыми, альбом утаскивает в вязкой многослойности “Good Love”. В какой-то момент он из меланхоличности уходит в поп формата Wild Beasts на “Islands”, чтобы перешагнуть в минимал-техно на “Play Out”. В течение всего альбома, Zola Blood не просто рисуют мелодичные музыкальные ландшафты и уделяют внимание огромному количеству деталей (чего только стоит “Get Light”), но поддерживают общий ритм пластинки.

Infinite Games – атмосферная, красивая работа, в которой даже периодически возникающая однообразность играет свою роль. Достойный дебют.

Sasha Boole – Golden Tooth

Одна из основных проблем современной украинской музыки связана уникальностью. Будь то инди-рок, техно или метал – все эти и многие другие жанры не родились в нашей стране с нуля, но были переняты и адаптированы. Не всегда удачно, с огромной долей эпигонства. Но к счастью, есть плеяда музыкантов, которые смогли не просто привнести украинский колорит в новые стили, но сделать их «своими».

Так, черновицкий инди-фолк певец Саша Буль примеряет на себя жанр кантри настолько умело, что в последние годы звучит и выглядит так, будто Джонни Кэш и Мерле Хаггард родились и жили в Украине. Иронично, что у нас Саша до сих пор менее известен, чем в Европе, которую исколесил с концертами. Новый альбом Буля Golden Tooth – следующий виток в его творчестве, когда из цикличного оммажа своим музыкальным кумирам, пробиваются ростки яркой индивидуальности.

Golden Tooth – удачный уход в фолк-рок и создание не просто скетчей, но цельного сюжета и идеи. Это пластинка пропитана поисками ответов на жизненные вопросы и обретения новой философии. Альбом выстраивается в четкое повествование после того, как гул “Intro” уступает гитарным аккордам “Play and Pray”. Он пробирается между кантри-балладой заглавного трека и ироничной, пронизанной звонким риффом банджо, песни “Пилю Обріз” про Брэда Питта, спасающего мир. К моменту, когда лиричность достигает своего пика, меланхолию разрывает роковая “Down By The Riverside”, выбивающаяся жанрово насколько это только возможно. Возможно, именно ее, а не акустическую “Left Behind”, стоило бы поставить последней. Но с другой стороны, именно одинокий гитарный перебор и голос Саши Буля заканчивают альбом так, как завершают историю, рассказанную у костра, придавая ей особый уют.

В 2015 году юный новозеландский музыкант Марлон Уильямс выпустил одноименный кантри/блюграсс альбом, ворвавшись в хит-парады США. Тогда в эфире известной американской радиостанции прозвучал шутливый вопрос “какое отношение кантри-музыка имеет к Новой Зеландии?”. Чем дальше, тем все менее актуален подобный вопрос об Украине в контексте творчества Саши Буля – это самобытное украинское кантри на экспорт.

Ті, що падають вгору – Десь там, в небесах

В андеграундной музыке всегда есть элемент элитарности и недоступности. С одной стороны, это медленный яд для музыкальных формаций, которые не могут выбраться из этого самого андерграунда. С другой – возможность сплотить вокруг себя преданную фанбазу и делать музыку без оглядки на коммерческие тренды.

Тернопольская группа Ті, що падають вгору была в андеграунде с самого своего рождения в 90-х. Несмотря на неплохой дебютный альбом 2002 года Та, що танцює з вітром, музыкальная звезда группы так и не зажглась достаточно ярко, и в полудреме, меняя состав, коллектив оставался на музыкальных задворках.

Так было вплоть до 2015 года, когда вышел второй альбом Дивина, объединивший материал последних 7 лет. Неоднородный, слепленный из разных периодов и влияний. Но это было важное возвращение. Потому как через два года, вышла новая пластинка Десь там, в небесах. И на сегодняшний день – это самая главная, самая полноценная работа Ті, що падають вгору.

Первое, что сразу ощущается при прослушивании – насколько в этом, каноничном инди-фолке отлично прописаны все звуки. Каждый инструмент аранжировки ложится в уши максимально природно, сам по себе проникновенный голос Ольги Чирковой звучит еще ярче, чем прежде. И в этом огромная заслуга тернопольского музыканта и звукорежиссера Лесика Драчука. Материал и аранжировки могут не вытягивать альбом на каждом треке, но звучание буквально укутывает, акценты приковывают внимание. Особенно хорошо это ощущается на треке “Ніченька”, где голос Чирковой заигрывает со скользящей между инструментов тишиной. “Папарабаб”, “Давай” и заглавная “Десь там, в небесах” слишком тянут альбом в 00-е. Меж тем, крен в прошлое выравнивается благодаря разноплановым и запоминающимся “Весни Коханий”, ”Зупинись” и ”Зима”.

За долгие годы вне большой сцены, Ті, що падають вгору не потерялись в самокопаниях и не утонули в прошлом. Они переросли свой андеграунд, и на Десь там, в небесах это отчетливо слышно. Да у группы есть балласт из устаревших клише, от которого стоит избавляться, но, как и в 2002, ансамбль с легкостью дает мастер-класс, как писать прекрасную музыку.

Артем Рисухин Артем Рисухин , Музыкальный обозреватель