57-я Венецианская Биеннале: текстиль, музыка и триумф Германии
Вот уже больше века Венецианская Биеннале каждые два года превращает маленький итальянский город в эпицентр актуального искусства и собирает crème de la crème художественной среды. Первая выставка состоялась в далеком 1895-м и объединила художников из 16-ти стран. В этом году Биеннале представила 85 государств, 3 из которых – Антигуа и Барбуда, Нигерия, Кирибати, - попали сюда впервые.
Куратором 57-й Биеннале стала Кристин Масель, директор французского Центра Помпиду. Заявленная ею тема выставки - Viva Arte Viva (да здравствует живое искусство) – а главное, ее реализация в основном проекте, застали арт-сообщество врасплох. Привыкнув к крайней политизированности современного искусства, никто не ожидал настолько расслабленной «позитивной» атмосферы. Особенно по контрасту с предыдущей 56-й Биеннале, где куратор Оквуи Энвезор сконцентрировался на темах марксизма и кризиса капитализма.
Не то, чтобы на выставке этого года совсем не было политики; она, безусловно, присутствует – это и мигранты, работающие в воркшопе «Зеленый свет» завсегдатая Биеннале Олафура Элиассона, и проект абстракциониста Марка Бредфорда по финансированию социальной работы с заключенными в локальной итальянской тюрьме… политические обертоны можно найти в доброй половине венецианских экспозиций. Тем не менее, – и это ощущается очень явственно – политическая проблематика превратилась здесь в привычный, а потому почти незаметный фон. А на передний план вышла фигура самого художника – его интимный мир, художественные практики, процессы делания и не-делания искусства.
Критики уже успели окрестить 57-ю Биеннале «хипповской» и «хилерской» - такому восприятию способствует сама структура основного проекта, собравшего 120 художников из 50-ти стран. Куратор разделила его на 9 транс-павильонов с названиями в стиле Нью Эйдж: Павильон Шаманов, Дионисийский Павильон, Павильон Радостей и Страхов, Павильон Времени и Бесконечности и т.д. Это разделение арт-критики единогласно признали провальным, отметив, что оно не привносит в проект никаких дополнительных смыслов, а потому представляется избыточным и ненужным.
Часть основной экспозиции, находящаяся в садах Джардини, открывается серией «Художник за работой» (1978) хорватского концептуалиста Младена Стилиновича (киевляне могут помнить ее по «Трудовой выставке» 2011 года в Центре Визуальной Культуры), которая представляет собой ряд фотографий, изображающих спящего художника. За ней следует видео-работа австрийского концептуалиста Франца Веста, на которой автор, лежа в постели, читает свои тексты. Далее – инсталляция казахстанских художников Елены и Виктора Воробьевых «Художник спит», представляющая собой пустую кровать. В постели или за ее пределами, основной проект Биеннале показывает нам неторопливый мир художника, заполненный «уютными» вещами – тут много инсталляций из текстиля, ковров, мотков ниток, пряжи. На входе в Арсенал, где расположена вторая часть основного проекта, китайский художник Ли Мингвей украшает вышивкой одежду посетителей - в рамках своего интерактивного перформанса «Штопка». Рядом расположена инсталляция «Стежок, сделанный вовремя», где посетители вместе с автором – филиппинским художником Давидом Медаллой – вышивают огромное полотно.
Если верить, что Биеннале не только репрезентирует, а еще и формирует тенденции арт-сферы, - в будущем, помимо повального увлечения крафтом, нас ждет поворот в сторону музыки. Как и Афинская Документа, открывшаяся в прошлом месяце, Венецианская Биеннале показала много работ, так или иначе связанных с саунд-артом – и в основной части, и в национальных павильонах. Именно музыкальный проект получил вторую по значимости награду Биеннале – "Серебряного льва". С формулировкой «самому многообещающему молодому художнику», этот приз получил египетский композитор Хасан Хан – он представил мультиинструментальную «Композицию для публичного парка».
Что касается главных наград, оба золотых льва в этом году достались Германии. Лучшим художником основного проекта был назван классик концептуализма и пост-минимализма Франц Эрхард Вальтер – жюри высоко оценило его гигантские инсталляции, выполненные, опять-таки, из текстиля. А лучшим национальным павильоном был признан павильон Германии: куратор Сюзанн Пфеффер представила там пятичасовой синтетический перформанс «Фауст» художницы Анне Имхоф, не последнюю роль в котором играет музыка. Под композиции в стиле блэк-метал, участники перформанса разыгрывают эпическую драму на грани пантомимы и хореографии – в сопровождении летающих под крышей соколов и дронов, а так же доберманов, охраняющих периметр павильона.
Музыкальная составляющая присутствовала и в украинском павильоне. Куратор Питер Дорошенко представил там проект живого классика Харьковской школы фотографии Бориса Михайлова «Парламент», который дополнили саунд-треки арт-групп «Sviter» и «Жужалка». Это звуковое сопровождение, хоть и попало в основной тренд Биеннале, несколько диссонировало с фотопроектом Михайлова – видимо потому, что, по сути, досталось ему «в наследство». По изначальному кураторскому замыслу, Украину должен был представлять проект «Купол» Ильи Кабакова: под гигантским разноцветным сводом, вопроизводящим идею светового органа композитора Александра Скрябина, планировались нон-стоп выступления украинских музыкантов, дизайнеров и перформансеров. Впоследствии Кабаков отказался от участия в Биеннале, его кандидатуру технично заменили на Михайлова, а музыканты механически перекочевали в новый проект.
Кроме национального павильона, Украина представила в Венеции еще три выставки. Во-первых, экспозицию финалистов Future Generation Art Prize, которую показал в Палаццо Пападополи PinchukArtCentre. Еще одну выставку провела киевская галерея М-17: она продемонстрировала тандем из молодой украинской художницы Лины Кондес и британского фэшн-дизайнера Даниэля Лисмора. И наконец, проект Lost&Found представил гостям Биеннале новые работы Жанны Кадыровой, Маши Шубиной, Ильи Чичкана, Оксаны Левченя-Константиновской и Сетланы Тегин.
Венецианская Биеннале продлится до 26 ноября.
6-я Frieze Art Fair в Нью-Йорке: парад имен и прирученный протест
Неделя, когда главная арт-ярмарка США проходит в ее культурной столице, во всех светских календарях обозначается как Frieze Week и рекомендуется к обязательному посещению. На этой ярмарке самые успешные галереи продают работы самых знаменитых современных художников, что делает ее одной из самых дорогих ярмарок в мире.
Начиная с 2003-го, Frieze Art Fair каждую осень проходит в Лондоне (ее проводят издатели журнала о современном искусстве frieze Аманда Шарп и Мэтью Слотовер), а с 2012-го ярмарка открыла свой весенний филиал в Нью-Йорке. В этом году Frieze Art Fair NY представит 200 галерей из 30-ти стран; кроме собственно ярмарки, в три выставочных дня организаторы втиснули множество лекционных и дискуссионных программ. Саму ярмарку организаторы традиционно поделили на 3 части: Spotlight демонстрирует известные галереи с персональными выставками, Frame показывает работы молодых художников, а Focus концентрируется на новых галереях, только начинающих свою деятельность.
От предыдущих ярмарок Frieze-2017 отличает активное включение искусства 20 века – здесь можно было найти работы таких мэтров прошлого столетия, как Жоан Миро, Фернан Леже или Энди Уорхолл. Кроме того, изюминкой этого года стало пристальное внимание к художникам из Латинской Америки – их представили 10 галерей из Бразилии, и по одной – из Гватемалы, Аргентины и Колумбии; большинство из них приехали в этом году на Frieze впервые. Среди галеристов-тяжеловесов можно отметить Ларри Гагосяна (он выставил американского фигуративиста-провокатора Джона Карена), Марианн Гудман (галеристка показала стенд албанского видео-артиста Анри Салы), Дэвида Цвирнера (он экспонировал американского фотографа-документалиста Уильяма Эгглстона). Вообще, плотность знаковых для контемпорари арта имен здесь традиционно высокое: посетители смогли увидеть работы Аниша Капура, Луиз Буржуа, Георга Базелица, Сая Твомбли, Роберта Раушенберга.
Еще одна особенность Frieze этого года – повышенный интерес к протестному искусству, обычно для него не характерный, предпочитающего, по большей части, проверенные имена и надежные инвестиции. Появление там работ косплеера Мартина Вонга, борца с гомофобией Дэвида Войнаровича, фотографа-провокатора Вольфганга Тиллманса говорит о том, что протест в теперешней его форме стремительно превращается в мейнстрим, а стало быть – теряет свой перформативный потенциал, превращаясь в беззубые музеифицированные работы с большим ценником на позолоченной рамке. К слову, эта тенденция представляет отказ от политического искусства на Венецианской Биеннале в новом свете: когда система апроприирует протест, новым «честным» протестом становится уход художника в «уютный» внутренний мир.
Frieze Art Fair NY проходила 5-7 мая.
Паблик-арт в Нью-Йорке: Аниш Капур и Джефф Кунс
Традиционно дружелюбный к паблик-арту Нью-Йорк удивил своих жителей в этом мае сразу двумя новыми инсталляциями. Первую установил под Бруклинским мостом гуру паблик-арта Аниш Капур. Инсталляция под названием «Погружение» представляет собой круглый бассейн диаметром в 8 метров, в котором вода бесконечно движется по спирали. Ее открытие было приурочено к 40-летию организации Public Art Fund, занимающейся продвижением современного искусства в публичное пространство Нью-Йорка.
В послужном списке Капура – впечатляющее количество инсталляций, успешно интегрированных в пространство города. Среди самых известных можно назвать «Небесное зеркало» в Ноттингеме (2001), «Облачные врата» в Чикаго (2004), «Высокое дерево и глаз» в Лондоне (2009), «Переворачивая мир вверх дном» в Иерусалиме (2010). Что касается «Погружения», этот проект Капур впервые представил на 1-й Индийской Биеннале в Коччи в 2012-м. Перенесенная в Нью-Йорк пять лет спустя, эта инсталляция обещает стать очень популярным туристическим объектом – не в последнюю очередь, благодаря своему удачному расположению рядом с паромом на Стейтен-Айленд.
Новое место, по мнению автора, наградило инсталляцию новыми смыслами - водоворот, из которого невозможно выбраться, вызывает ассоциации с американской политикой. Но, в отличие от последней, она ничем не угрожает американцам, поскольку ограждена забором.
Автором второй нью-йоркской инсталляции, установленной в Рокфеллерском центре, стал американский мастер китча Джефф Кунс. Он осчастливил город 14-метровой надувной «Сидящей балериной» - ее воздвигли в рамках поддержки Международного центра поиска пропавших и эксплуатируемых детей. В отличие от знаменитых «надувных» собачек (которые с 2013 года держат первенство как самое дорогое произведение ныне живущего художника), сделанных на самом деле из нержавеющей стали, балерина действительно нейлоновая - и в случае плохой погоды ее придется сдувать. До этого площадь Рокфеллерского центра уже украшали работами Кунса – в 1992-м он установил там гигантскую цветочную инсталляцию «Щенок», а в 2000-м – массивную скульптуру в виде головы коровы «Split-Rocker».
Надувная балерина является увеличенной репликой одноименной скульптуры Кунса из его серии «Античность». Инсталляция получила огромный резонанс в Украине, поскольку оказалась явной копией фарфоровой статуэтки «Балерина Леночка на пуфике», созданной в 1974-м украинской художницей Оксаной Жникруп на Киевском экспериментальном керамико-художественном заводе.
Не найдя на сайте Кунса упоминания об этом авторстве, общественность поспешила обвинить художника в плагиате – однако впоследствии выяснилось, что Кунс использовал работу Жникруп законно и даже выплатил роялти ее наследнику. Тем не менее, такое подозрение нельзя назвать беспочвенным – кроме любви к китчу, Кунс славится также как объект многочисленных обвинений в плагиате; не так давно Верховный суд Парижа признал его виновным в незаконном использовании фотографии Жана-Франсуа Боре при создании скульптуры «Обнаженные» (1988). Впрочем, всем неравнодушным это событие пошло лишь на пользу – по крайней мере, мы узнали о существовании украинской мастерицы, которую копирует самый дорогой художник современности.
Надувная балерина будет экспонироваться в Нью-Йорке до 2 июня.
Новый аукционный рекорд: Баския и Маэдзава
Современное искусство давно уже стало не только веселым развлечением для широкой публики, но и серьезным бизнесом для узкого круга коллекционеров. А цены на работы топ-сегмента этого рынка не прекращают расти, поражая воображение. Очередным аукционным рекордом стала продажа на Sothebey's картины Жана-Мишеля Баския «Без названия» (1982) за $110 млн. Теперь эта работа является самым дорогим американским произведением искусства. Баския же, исследовавший в своем творчестве проявления дискриминации в отношении афроамериканцев, стал самым дорогостоящим темнокожим художником в мире.
Баския умер в 27 лет от передозировки героина; арт-практике он успел отдать всего 7 лет – однако еще при жизни стал востребованным автором, прославившись сначала как граффити-артист, а затем – как неоэкспрессионист. Теперь, по прошествии 30-ти лет, он вошел в «клуб» художников, чьи картины продаются дороже $100 млн. По словам главы департамента современного искусства Sothbey's в Нью Йорке Грегуара Билло, в этом «клубе» также числятся Пабло Пикассо, Альберто Джакометти, Френсис Бэкон и Энди Уорхолл. Вложения в работы Баския принято считать примером образцовых инвестиций: если в конце 1980-х его огромные полотна продавались за суммы порядка $20 тыс., то уже в 2000-х счет шел на миллионы. Картину «Без названия», побившую все рекорды, купила в 1982-м семья коллекционеров Шпигель за $19 тыс. Вплоть до этого года работа не выставлялась на продажу – на жаргоне оценщиков такая картина называется «свежей», и цена на нее может быть на порядок выше, чем на работы того же автора, которые часто перепродаются.
Новым обладателем шедевра стал японский миллиардер Юсаку Маэдзава, сколотивший состояние на торговле одеждой через интернет. Эта покупка очень быстро оправдала себя с точки зрения пиара: имя Маэдзавы уже упоминают в одном ряду с самыми известными коллекционерами современности – Роном Лаудером, Стивеном Коэном и Стивом Уинном. Кроме того, в коллекции Маэдзавы есть еще несколько картин Баския, совместная цена которых резко возросла с добавлением в собрание новой работы, побившей аукционные рекорды. Помимо Баския, коллекционер владеет произведениями Джеффа Кунса, Брюса Наумана, Александра Колдера, Ричарда Принса, Роя Лихтенштейна – все свои драгоценности он обещает выставить на публичное обозрение, организовав музей современного искусства в родном городке Тиба.
2-й Kyiv Art Week в Киеве: частные коллекции и музыка Кандинского
Актуальный во всем мире формат недели искусств закрепился и в Украине – в этом году в столице прошел уже второй Kyiv Art Week. Выставка собрала 23 галереи из 5-ти стран: Германии, Грузии, Польши, Бразилии и, конечно, Украины. Кроме основной выставки, фестиваль искусств включил в себя лекторий, где кураторы и арт-дилеры посвящали публику в тонкости финансовых и юридических аспектов, а также целую серию спецпроектов.
Kyiv Art Week расположился в 17-ти локациях, разбросанных по всему городу: главным местом действия послужили бизнес-центр «Торонто-Киев», предоставивший 4 тыс. метров выставочной площади, и 5 городских музеев. Основным аттракционом мероприятия стали имена суперзвезд контемпорари: Роя Лихтенштейна, Роберта Индианы, Дэвида Хокни, Хельмута Ньютона. В рамках проекта «Музей частных коллекций» простые смертные впервые смогли увидеть работы гениев современности из личных собраний 15-ти украинских коллекционеров. Курировали этот проект организатор Kyiv Art Week Евгений Березницкий, арт-дилер Игорь Абрамович и искусствовед Александр Соловьев. Кроме мировых знаменитостей, в проекте были представлены титаны украинского искусства: Александр Гнилицкий, Сергей Братков, Олег Тистол. Зинаида Лихачева и Георгий Сенченко представили свои персональные выставки.
Одной из самых популярных зон Kyiv Art Week стал спецпроект «Почувствуй Искусство», где посетителям предлагали делать то, что обычно запрещено в музеях: трогать экспонаты руками. Каждый желающий мог пощупать масляное полотно, графический рисунок и даже - в память о Йозефе Бойсе - жир, помещенные в специальные стеклянные кубы. Ну а главным хитом этой зоны стал саунд-проект: с помощью электронного устройства Playtron, посетители получили возможность услышать «звучание» работы Василия Кандинского.
Kyiv Art Week проходил 4-7 мая.