Фильм Папы Римского о современном искусстве – контемпорари арт как благовест
Отношения между искусством и Католической церковью длятся вот уже более полутора тысяч лет. С одной стороны, практически все это время церковь была главным заказчиком для художников – живым тому доказательством является неимоверная коллекция шедевров, собранная римскими папами в музеях Ватикана. С другой стороны, церковь всегда пыталась контролировать искусство, подвергая его цензуре, – от драпировки обнаженных тел на фреске «Страшный суд» Микеланджело в середине 16 века, до запрета экспонировать работу «Западно-христианская цивилизация» Леона Феррари 400 лет спустя. Тем не менее, библейская тематика на протяжении столетий была самой востребованной в истории Европейской живописи – вплоть до нарастания атеистических тенденций в 19 веке и всплеска нефигуративной живописи в 20 веке, когда актуальное искусство окончательно секуляризировалось.
Но уже в 1970-х Святой престол делает попытки наладить отношения с современным искусством – в Музеях Ватикана открывается соответствующий отдел, куда попали работы де Кирико, Дали, Бэкона и многих других мэтров 20 столетия. В 2013-м и 2015-м Ватикан представляет свой павильон на Венецианской биеннале. И хотя в этом году Святой престол отказался от участия в главной выставке контемпорари арта, вместо этого он снял документальный фильм: в нем Папа Римский Франциск І рассказывает о своем отношении к современному искусству.
Фильм «Моя идея искусства» базируется на одноименной книге, написанной Папой два года назад, и представляет собой экскурсию по «галерее идеального искусства», экспонаты которой, по задумке понтифика, могут – и должны - быть инструментом евангелизации. В число таких экспонатов Папа предсказуемо включил работы Микеланджело, Караваджо – но также, неожиданно, и скульптуры современного аргентинского художника Алехандро Мармо «Христос-рабочий» и «Богоматель Лухана», выполненные из отходов.
За последние 10 лет взгляды понтифика на искусство ощутимо эволюционировали: если в 2004-м, еще будучи кардиналом, он добивался закрытия выставки Леона Феррари в Буэнос-Айресе, обвиняя его в богохульстве, - то уже в 2015-м он характеризует работы этого художника как «протестное искусство». В своем фильме Папа призывает Ватиканские музеи обратить внимание на современных художников и использовать потенциал их искусства для распространения веры. Такая демократизация Католической церкви безусловно выглядит выигрышно – особенно на фоне постоянных попыток Православной церкви уберечь чувства верующих от оскорблений. Однако намерения самого консервативного института превратить контемпорари арт в орудие своей пропаганды говорит и о том, что современное искусство – по крайней мере, в его мейнстримной версии, – стремительно утрачивает свой субверсивный потенциал, трансформируясь в консервативный проект.
Прадо и гомосексуальность – новый взгляд на коллекцию музея
Исключительная популярность библейской тематики в европейском искусстве объясняется еще и тем, что художники использовали ее, дабы обойти цензуру и отобразить в своих работах гомосексуальные мотивы – так считает куратор мадридского музея Прадо Карлос Наварро. Главная коллекция живописи в Испании открыла новый маршрут под названием «Взгляд другого. Пространство различия»: не перемещая экспонаты постоянной коллекции, сотрудники музея маркировали для посетителей путь между тридцатью шедеврами, связанными с темой однополых отношений и ненормативной сексуальной идентичности.
Такой неортодоксальный тематический взгляд на историю искусства становится популярным: в апреле подобную выставку «Queer British Art 1861-1967» открыла лондонская галерея Tate Britain. Эта экспозиция, как и проект музея Прадо, демонстрирует проявления гомосексуальности не только в конкретных произведениях искусства, но и в жизни художников и их покровителей. Испанская выборка начинается с античности (скульптура «Орест и Пилад» школы Праксителя) и проводит зрителей до конца 19 века, когда – практически одновременно - возник термин «гомосексуальность» и музей Прадо закончил формирование своей коллекции. Изначально «сомнительные» работы держали отдельно, в недоступных для посетителей местах – например, в Охотничьей Башне на окраине Мадрида. В частности, там хранилась картина Рубенса «Похищение Ганимеда», также вошедшая в новый музейный маршрут.
Часть отобранных картин напоминает нам о гонениях, которым подвергали художников – в суд по обвинению в содомии привлекались Боттичелли, да Винчи, Караваджо. Картина последнего «Давид с головой Голиафа» - до того, как попасть в музей, - принадлежала испанскому графу Вильямедьяна, который сам находился под наблюдением Инквизиции по аналогичному подозрению.
Еще одна картина, вошедшая в новый маршрут – «Святой Себастьян» Гвидо Рени – в 18 веке была признана «слишком откровенной», после чего святому «приподняли» набедренную повязку. Один из вариантов этой картины стал отправной точкой автобиографического романа Юкио Мисимы «Исповедь маски» – с рассматривания ее репродукции начинается процесс сексуальной самоидентификации автора. В экспозиции есть и работы, связанные с транссексуальностью и гендерной индентификацией, – это «Бригида дель Рио, бородатая леди Пеньяранды» Хуана Санчеса Котана и «Магдалена Вентура с мужем и сыном» Хосе де Риберы. А для постера к новому маршруту кураторы выбрали работу «Эль Сид» Розы Бонер – одной из немногих женщин-художниц, представленных в Прадо. Чтобы иметь возможность делать зарисовки животных на скотных дворах, где на женщин смотрели косо, художнице приходилось брать специальное разрешение в полиции на ношение мужской одежды.
Новый маршрут Прадо приглашает посмотреть на известные картины с новой точки зрения и примерить на себя «взгляд другого» всех тех, кто готов войти в это «пространство различия». Экспозиция будет открыта до 9 октября 2017 года.
Украинский Энгельс в Манчестере – реверс декоммунизации
16 июля в публичном пространстве Манчестера появилась новая скульптура, посвященная теоретику марксизма Фридриху Энгельсу. Никому не нужная «декоммунизированная» статуя обрела второе рождение благодаря британскому художнику Филу Коллинзу, который разыскал ее в маленькой деревне Полтавской области: 3,5-метровая скульптура была сброшена с пьедестала и, разобранная на части, валялась на территории бывшего совхоза.
На поиски статуи художник потратил более двух лет: разыскивая Энгельса, он объездил глубинку России и Беларуси, но подходящий объект ему удалось найти лишь в Украине. Коллинз, номинировавшийся на премию Тернера в 2006-м, известен своим интересом к посткоммунистической тематике: в своих видеоработах «Марксизм сегодня» и «Потребление! Стоимость! Обмен!» он исследовал положение учителей, преподававших в ГДР теорию марксизма, после падения Берлинской стены. А свой последний проект с перемещенной скульптурой художник задумал, чтобы восстановить историческую справедливость: до последнего времени, в Манчестере не было памятника Энгельсу – хотя именно в этом городе он прожил больше 20 лет и написал свою знаменитую работу «Положение рабочего класса в Англии».
Переговоры о передаче скульптуры тянулись почти 8 месяцев – администрация деревушки сразу согласилась подарить Энгельса художнику, но не знала, как это юридически оформить, поскольку закон о декоммунизации не сопровождался конкретным руководством по уничтожению памятников. Тем временем, Коллинз работал над концептуальной частью своего проекта в Манчестере: он занимался исследованием жизни обитателей местных кризисных центров для бездомных, значительная часть которых является иммигрантами. Получившийся в результате фильм о новом пролетариате художник показал во время открытия статуи Энгельса на Манчестерском интернациональном фестивале.
На ногах водруженной скульптуры все еще видна желтая и голубая краска – следы «стихийной» украинской декоммунизации 2014 года. Перенеся статую с одного края Европы на другой, Коллинз показывает, как изменение контекста влияет на восприятие скульптуры и демонстрирует разное понимание истории европейцами. Памятник, символизирующий для условного украинца тоталитарное прошлое и апеллирующий к национализму, является для условного британца напоминанием о проблемах социального равенства, актуального для всех национальностей.
«Наши за границей» – Александр Тышлер в Москве и Соня Делоне в Мадриде
В июле открылись сразу две крупные ретроспективы, посвященные художникам, связанным с Украиной. Первая из них – это «Игра и Лицедейство», монографическая выставка Александра Тышлера в московском Музее изобразительных искусств им. Пушкина. Уроженец Мелитополя, Тышлер известен прежде всего своими театральными работами – он оформил более 100 спектаклей для театров Харькова, Минска, Москвы и сотрудничал с легендарными режиссерами 20 века – Мейерхольдом, Михоэлсом, Курбасом, Таировым. Тышлер прошел серьезную школу авангарда – он учился в Киевском художественном училище, в студии Александры Экстер, а затем в московском ВХУТЕМАСе.
Художник начинал с абстракций, но в итоге сформировал свой уникальный фигуративный стиль, сочетаюший экспрессию с сюрреализмом. В 1930-х советские живописцы, не принявшие соцреалистический канон, находили прибежище в книжной иллюстрации и театральном оформлении – эта сфера работы Тышлера представлена на выставке в отдельном разделе «Театр». Еще один раздел – «Расстрельные темы», – представляет серию работ художника, посвященную Нестору Махно. Тышлера привлекала театральность махновщины вообще, и в частности – известный сюжет, в котором, для использования фактора неожиданности, анархисты усыпали свои тачанки цветами, изображая свадебный кортеж, причем роль невесты в этом перформансе исполнял сам Махно.
Всего на выставке собрано около 150 произведений Тышлера – его живопись, графика, эскизы костюмов и декораций. Экспозицию работает до 17 сентября 2017 года.
Еще одна ретроспектива открылась в мадридском Музее Тиссена-Борнемисы – она посвящена французской художнице украинского происхождения Соне Делоне. Вместе со своим мужем Робером Делоне, художница изобрела новый живописный стиль «орфизм», принципы которого она использовала и в дизайне. Во время Первой мировой войны супруги Делоне уезжают в Испанию, где Соня работает над костюмами и декорациями к балету «Клеопатра», входившего в знаменитые «русские сезоны» Дягилева. В 1917-м художница открывает в Мадриде свой дом моды Сasa Sonia – к столетию этого события и приурочено открытие выставки - первой ретроспективы художницы в Испании.
Соня Делоне стала первой женщиной, чью прижизненную персональную выставку провел Лувр; а в почтенном возрасте 90 лет художница была удостоена высшей награды Франции – ордена Почетного Легиона.
Мадридская экспозиция отдает должное разностороннему творчеству художницы: на выставке представлены как ее живописные и графические работы, так и многочисленные дизайнерские проекты - от игральных карт до автомобилей. Основной фокус экспозиции сосредоточен на испанском периоде творчества Делоне, однако на выставке представлены и работы других ее периодов, например – огромные абстрактные полотна, которые художница создавала в Париже после 1940-х.
Выставка «Соня Делоне. Искусство, дизайн, мода» продлится до 15 октября 2017 года.
Первая Датская триеннале – искусство и экология
Небольшой университетский городок Орхус, расположенный в трех часах езды от Копенгагена, стал этим летом сценой для первой Датской триеннале современного искусства, организованной местным художественным музеем ARoS. Триеннале получила название «Сад: начало времен, конец времен» – организаторы посвятили ее исследованию отношений человека с природой на протяжении последних 400 лет, от регулярных парков эпохи барокко до современных публичных пространств.
Экологическая направленность триеннале весьма органична для Орхуса: этот город находится на берегу пролива Каттегат и со всех сторон окружен лесами; к 2030 году горожане планируют полностью отказаться от природного топлива и превратить Орхус в СО₂ нейтральный город. Свои рецепты для радужного будущего предлагают и художники, участвующие в триеннале: например, американская художница-энваронменталистка Мег Уэбстер создала огромный цветочный сад для пчел и бабочек, акцентируя внимание на массовой гибели насекомых-опылителей из-за использования пестицидов.
Всего триеннале представляет 140 арт-проектов, поделенных на три концептуальные секции. «Прошлое» занимается исследованием идеи сада в истории искусства; в этом разделе можно увидеть полотна художников 17-18 столетия – Клода Лоррена, Каспара Давида Фридриха, – рядом с ультрасовременными скульптурами Йинки Шонибаре и Олафура Элиассона. Последний, кстати, создал архитектурную инсталляцию «Ваша радужная панорама», которая вот уже 6 лет украшает музей ARoS, под крышей которого разместилась основная часть триеннале.
Секции выставки «Настоящее» и «Будущее» рассказывают зрителям о том, как человечество уничтожает природу, и предлагают выходы из этого тупика. Многие работы этих разделов находятся за пределами музея – на центральных улицах города и на набережной. Как оказалось, местные жители не были готовы к таким интервенциям: когда немецкая художница Катарина Гроссе начала покрывать траву и деревья краской, горожане вызвали полицию, расценив этот перформанс как акт вандализма. А после того, как японский мастер атмосферных инсталляций Фуджико Накая запустил на крыше музея 2 тысячи дым-машин, создавая туманное облако, местная пожарная станция разрывалась от звонков с сообщением о пожаре.
Разделы триеннале «Настоящее» и «Будущее» завершили работу 30 июля; секция «Прошлое» открыта для посещения до 10 сентября 2017 года.